Exhibiciones especiales
A partir del 18 de febrero, comenzamos con la exhibición de 11 cintas mundialmente importantes en la historia del cine, en su formato original y con copias que provienen de una restauración de la película que resulte lo más cercana posible al estado en el que la cinta fue realizada. Dichos filmes son:
Febrero 18: LA MANCHA DE SANGRE
Dirección: Adolfo Best-Maugard
Lugar y fecha de rodaje: Distrito Federal, México, 1937
Productores: Francisco Beltrán y Miguel Ruiz Moncada
Guión/ Argumento/ Adaptación: Miguel Ruiz Moncada
Fotografía: Ross Fisher y Agustín Jiménez
Escenografía: Mariano Rodríguez Granada
Música: José Gamboa Ceballos
Duración: 70 mins.
Intérpretes: Heriberto G. Batemberg, José Casal, Lorenzo Díaz González, Manuel Dondé, Elvira Gosti, Stella Inda, Chico Mabarak, José Muñoz, Luis Santibañez, Diego Villalba
Lugar y fecha de estreno: México, 25 de junio de 1943
Origen de la copia: Filmoteca de la UNAM
SINOPSIS:
Una joven se hace cabaretera y es explotada por un padrote celoso y cínico; pero la misma se enamora de un tímido joven fuereño recién llegado a la ciudad. La mancha de sangre es un registro de la vida nocturna en la Ciudad de México, un inventario de los personajes que habitan en el submundo citadino, un desfile de rostros macerados, piernas golpeadas, cuerpos desnudos y miradas libidinosas, es lo que la aguda mirada del pintor y crítico de arte Adolfo Best-Maugard supo plasmar.
COMENTARIO:
Filme perdido durante cincuenta años. El negativo original de nitrato de celulosa lo encontramos maltrecho, incompleto y muy rayado. Los censores, que durante los años treinta secuestraron el filme y lo mutilaron, no solamente lo cortaron sino que lo manipularon de la peor manera: el negativo tiene múltiples rayaduras longitudinales que en pantalla se observan como rayas blancas. También faltan dos rollos de este negativo: el No. 6 de sonido y el No. 9 de imagen. Pese a esta circunstancia, teníamos que sacar a la luz una película como ésta, con tantas particularidades creativas. Para aminorar el faltante del rollo 6 de sonido, subtitulamos este rollo con la interpretación del movimiento de los labios de los personajes y en el caso del sonido del rollo 9, consideramos que este es suficiente para entender lo que sucede pero que no podemos ver. Nunca olvidaremos lo que se escucha al final: “ahora sí seremos felices”.
Marzo 18: DRÁCULA
Dirección: George Melford
Lugar y fecha de rodaje: Universal Studios, California, USA,1931
Producción: Universal Pictures
Productores: Carl Laemmle Jr. Y Paul Kohner
Guión/ Argumento/ Adaptación: Adaptación de la novela Drácula de Bram Stoker. Adaptación al español, de Baltasar Fernàndez Cué.
Fotografía: George Robinson
Escenografía: Charles D. Hall
Música: Heinz Roemheld
Duración: 104 mins.
Intérpretes: Carlos Villarías, Lupita Tovar, Barry Norton, Pablo Álvarez Rubio, Eduardo Arozamena, José Soriano Viosca, Carmen Guerrero, Amelia Senisterra, Manuel Arbó
Lugar y fecha de estreno: Ciudad de México, 4 de abril de 1931
Origen de la copia: Filmoteca de la UNAM
SINOPSIS:
A las doce, en la noche de Walpurgis, Renfield, el empleado inglés de un despacho de abogados, llega al castillo del Conde Drácula, en los Cárpatos. Drácula, después de firmar los papeles para adquirir una abadía en ruinas, cerca de Londres, enloquece a Renfield con su mirada y le ordena obediencia. Renfield escolta el féretro que contiene tierra de los Cárpatos, donde yace Drácula durante el día, mientras viaja en un barco que lo lleva a Londres. Los tripulantes del barco mueren misteriosamente. Ya en la ciudad, el Conde se presenta a la sociedad londinense y conoce a su vecino el doctor Seward, quien dirige un asilo de enfermos mentales. Drácula hace amistad rápidamente con Lucía Weston, amiga de la familia, y a continuación comienza su asalto a Eva Seward, la hija del médico. Un invitado, el experto en ocultismo Van Helsing, reconoce a Drácula y sus poderes. De este modo, se desata una batalla entre Drácula y Van Helsing por el cuerpo y alma de Eva. Es predecible el final, el “happy ending”, con la muerte y desaparición del Conde Drácula.
COMENTARIO:
Como si fueran objetos inservibles y sin valor comercial, los negativos originales de las películas filmadas en todo el mundo se han perdido con pasmosa facilidad. Así le sucedió a este filme que se consideró desaparecido hasta principios de los años 90; año en que se localizó una copia de nitrato de celulosa de esta película en Cuba. Por su importancia intrínseca, al tratarse de una segunda versión del famoso Drácula de Bela Lugosi, encontró acogida en la comunidad archivística y la Cinemateca de Cuba cedió la copia al Archivo de UCLA en California, E.U.A., para su restauración. Gracias a ello, podremos presenciar una película que logra una independencia de la versión en inglés, con actores mexicanos, españoles y de otras nacionalidades, con parlamentos fieles al guión original y por tanto, con esa juventud técnica y dramática.
Abril 21: LÍMITE
Dirección: Mario Peixoto
Lugar y fecha de rodaje: Mangaratiba, Río de Janeiro, Brasil,1931
Producción: Cinédia
Productores: Mario Peixoto
Guión/ Argumento/ Adaptación: Mario Peixoto
Fotografía: Edgar Brasil
Música: Erik Satie, Claude Debussy, Alexander Borodin, Maurice Ravel, Igor Stravinsky, César Frank, Serguei Prokofiev
Duración: 120 mins.
Intérpretes:Iolanda Bernardes, Edgar Brasil, Olga Breno, Brutus Pedreira, Mario Peixoto, Tatiana Rey, Carmen Santos, Raúl Schnoor
Lugar y fecha de estreno: Brasil
Origen de la copia: Cinemateca Brasileira, Sao Paulo.
SINOPSIS:
Pocas veces tenemos oportunidad de estar ante una obra tan desmesuradamente lírica. Para 1931, cuando fue rodada esta película, ya existía el sonido impreso ópticamente en la película de una manera técnica y financieramente posible, en nuestros países latinoamericanos. Es evidente que Peixoto no quiso usar el sonido para unos diálogos que probablemente no le permitirían crear el clima emocional, interiorista que concibió para un filme como Límite. La trama comienza con un bote en el mar donde un hombre y dos mujeres abatidos, abandonados a su suerte, incapaces ya de luchar físicamente para buscar su salvación, rememoran su historia y mediante el recurso cinematográfico del “flash back”, nos dan a conocer los sucesos previos que los han llevado hasta esa situación.
Las acciones se sitúan no en la gran ciudad, sino en la provincia, en pueblos pequeños (donde el mar, las aguas de un lago o de los ríos reflejan los árboles, los macizos de flores y arbustos en plena floración). La película nos lleva a un estado de quietud, ensoñación y deseo insatisfecho de imaginar cuál era la intención del director Peixoto ante el universo visual que tenía enfrente y qué podía seleccionar, entre todo ese universo, mediante el cuadro de la cámara.
COMENTARIO:
Varios son los intentos que se han hecho para restaurar este filme. Conocemos, por ejemplo, la versión que fue lanzada en 1978 y exhibida en el Congreso de FIAF en Oaxtepec, Morelos, México, cuyo Simposio llevó como tema “El Cine Olvidado de América Latina”. Sin embargo, ahora existe otra versión, que probablemente sea la definitiva y que gozó del impulso salvador de la World Cinema Foundation (WCF), dirigida por Martin Scorsese; la cual se dedica a restaurar cintas valiosas en riesgo de perderse, cintas que puedan, una vez restauradas, difundirse en todo el mundo y que, a partir de los recursos (aunque sean mínimos) obtenidos de su exhibición, brinden nuevos fondos para el salvamento de otras obras que esperan por su restauración y permanencia en el tiempo y el espacio.
Mayo 20: LAS VIÑAS DE LA IRA
Dirección: John Ford
Lugar y fecha de rodaje: Oklahoma, Nuevo México, Arizona, California y en los estudios de la 20th Century Fox, 1939
Producción: 20th Century Fox Film Corporation
Productores: Darryl F. Zanuck y Nunnally Johnson
Guión/ Argumento/ Adaptación: Nunally Johnson. Adaptación a partir de la novela homónima de John Steinbeck
Fotografía: Gregg Toland
Escenografía: Richard Day, Mark Lee Kirk y Thomas Little
Música: Alfred Newman
Duración: 128 mins.
Intérpretes: Henry Fonda, Jane Darwell, Russel Simpson, John Carradine, Charley Grapewin, Zeffie Tilbury, Doris Bowdon, O.Z. Whitehead
Origen de la copia: Harvard Film Archive, Cambridge Massachussetts
SINOPSIS:
Libre bajo fianza, Tom Joad se dirige a la casa de sus padres en Oklahoma. Por el camino, encuentra a Casy quien ha dejado de ser predicador por haber perdido la fe. La granja familiar está abandonada, la persistente sequía y la especulación financiera los han obligado a abandonar su hogar. Le informan que toda su familia ha decidido emigrar a California debido a que, en un volante publicitario, han leído que allá hay mucho trabajo. Los encuentra justo a tiempo para partir con ellos. Después de muchas penalidades, llegan a California para descubrir que los lugares de trabajo son escasos y que la competencia para ocuparlos es feroz. Los dueños recurren a guardias blancas para imponer sus condiciones, llegando incluso a disparar contra los trabajadores. Casy ha recuperado su fe, pero ahora, como organizador de los obreros agrícolas, lucha para que los trabajadores no tengan que sufrir todo tipo de humillaciones por un mísero salario. A causa de esta lucha, lo asesinan. En ese momento, Tom está con él y logra matar a uno de los agresores. Su familia lo esconde, pero la policía está cerca. Tom decide separarse de su familia. Al despedirse de su madre, Tom le dice que espera volverla a encontrar algún día, mientras él se dedicará a organizar a los trabajadores. Así honrará la memoria de su amigo. La familia de Tom se dirige rumbo al norte, su madre ha recuperado la esperanza y se dispone a enfrentar la vida con ánimo renovado.
COMENTARIO:
Hoy consideramos a John Ford como el mejor director de westerns que ha habido en toda la historia, pero esto no siempre fue así. Desde mediados de los años treinta hasta que los Estados Unidos se involucraron en la Segunda Guerra Mundial, Ford dirigió una serie de dramas sociales que respondían muy puntualmente a la difícil situación por la que atravesaba su país. Desde 1935, en que dirigió El Delator, película destinada a resaltar la difícil lucha de los irlandeses por obtener su independencia, hasta 1941, año en que se dedica a describir muy detalladamente las penalidades que sufrían los mineros galeses en Que verde era mi valle, John Ford canalizó su indudable talento en presentar una serie de retratos de los más afectados por esos conflictos: los ciudadanos comunes y corrientes.
No cabe duda que Las viñas de la ira, rodada a finales de 1939, es su más lograda incursión en el género. Este retrato realista, dedicado a seguir a esa multitud de seres humanos que tuvieron que salir huyendo de la crisis financiera que siguió a la quiebra generalizada de la Bolsa de Valores en 1929 y del desastre ecológico que representó la persistente sequía en el Medio Oeste americano, es una muy lograda adaptación de la novela homónima de John Steinbeck y una muestra del uso político-ideológico que se puede hacer del cine.
Contaremos con una excelente copia en 35 mm de la película, tirada a partir del negativo original, gracias a la colaboración del Archivo Fílmico de la Universidad de Harvard a quienes extendemos una vez más nuestro más caluroso agradecimiento por este préstamo.
Junio 17: M. EL MALDITO
Dirección: Fritz Lang
Lugar y fecha de rodaje: Berlín, 1931
Producción: Nero Filme AG.
Productores: Seymour Nebenzal
Guión/ Argumento: Thea Von Harbou
Fotografía: Fritz Arno Wagner
Escenografía: Emil Hasler y Karl Volbrecht
Música: Fragmento “En la gruta del rey de la montaña” de la obra Peer Gynt, compuesta por Edvard Grieg
Duración: 111 mins.
Intérpretes: Peter Lorre, Ellen Widmann, Inge Landgut, Otto Wernicke, Theodor Loos, Gustav Gründgens, Friederich Gnaβ, Ernest Stahl-Nachbaur, Rosa Valetti
Lugar y fecha de estreno: Berlín, 11 de mayo de 1931
Origen de la copia: Filmoteca de la UNAM
SINOPSIS:
Es mediodía, hora de salida de las escuelas. La madre ha preparado el almuerzo para su hija, que la espera ansiosa. En la calle, frente a un cartel donde se ofrece una recompensa a quien dé información útil para la captura del asesino de ocho niñas, Elsie Beckmann es abordada por el malhechor y se vuelve la novena víctima. Su madre sigue esperando angustiada. La histeria se apodera de la ciudad, todo el mundo sospecha de los demás, la policía esta desesperada siguiendo pistas falsas. El mismo criminal escribe al periódico retando a la fuerza pública. El alcalde de la ciudad le exige al jefe de la policía que resuelva el caso. Éste moviliza a todas sus fuerzas y no deja lugar sin investigar. Como resultado, el bajo mundo se ve seriamente afectado en sus negocios.
Mientras las más altas autoridades de la ciudad analizan la situación, los líderes del bajo mundo tienen una reunión similar. Llegan a la conclusión de que ellos deben atrapar a este individuo para que las cosas regresen a la normalidad. Cuentan con los mendigos y pordioseros para mantener a toda la ciudad vigilada. La suerte está de su lado: un ciego que vende globos reconoce la tonada que silba alguien como la misma que chiflaba quien le comprara un globo a la última víctima, se lo comunica a uno de los pandilleros y este marca con tiza al criminal escribiéndole una M en la espalda. El sospechoso se da cuenta y busca huir. Se refugia en un edificio de oficinas. Sin embargo, está rodeado. A media noche, entran y lo atrapan. Lo llevan a una vieja fábrica abandonada donde le instruyen un juicio sumario. Él mismo señala que el impulso que le lleva a cometer estos crímenes es algo que no puede controlar. Los criminales están decididos a aniquilarlo, pero llega la policía. Como epílogo, vemos a las madres durante el juicio: una de ellas aclara que nada podrá regresarle a sus niños, por lo que deben ser más cuidadosas con sus hijos.
COMENTARIO:
Por la sola dirección de Metrópolis en 1927, Fritz Lang ya merece tener un lugar permanente entre los más destacados clásicos del cine mundial; pero es tras la llegada del sonido que este cineasta austríaco logra con M una indudable joya con tanto o mayor valor que sus filmes silentes.
Considerada como una de las obras más logradas de la cinematografía alemana, previa a la llegada de los nazis, esta película nos presenta cómo funciona una sociedad asediada por todo tipo de temores y cómo la ineficiencia de la estructura de poder conduce a que los mismos malhechores asuman el papel que debería tocarle a las fuerzas del orden. Este recuento resultó ser una anticipación sintomática de los irracionales ímpetus que acabaron con todo vestigio de orden civilizado en Alemania, al comienzo del nacionalsocialismo.
Por ser una cinta tan lograda, la misma se ha transformado en modelo para todas aquellas películas que buscan presentar a un asesino serial. Además este filme logró que la imagen de Peter Lorre esté ligada indeleblemente con la idea de alguien que, aún contra su voluntad, se ve arrastrado por un cruel destino a ser una amenaza letal para la sociedad en la que vive.
Debe destacarse, siendo M el primer trabajo sonoro de este director, que la utilización del sonido es muy inteligente y viene a ser de primordial importancia para la resolución de la trama policíaca.
Proyectaremos una copia en 35 mm, restaurada por el Museo del Cine de Munich. Cabe señalar que esta copia fue recibida por la Filmoteca de la UNAM como intercambio por La mancha de sangre, película que con mucho esfuerzo recuperó nuestro archivo fílmico y que, al ser mostrada en Europa, despertó tal interés que nuestros colegas alemanes ofrecieron hacer este intercambio beneficioso para ambas instituciones.
Julio 1: LOS OLVIDADOS
Dirección: Luis Buñuel
Lugar y fecha de rodaje: Estudios Tepeyac, Distrito Federal, México,1950
Producción: Ultramar Filmes
Productores: Óscar Dancingers, Sergio Kogan y Jaime A. Menasce
Guión/ Argumento/ Adaptación: Luis Buñuel, Luis Alcoriza, Max Aub, Juan Larrea y diálogos de Pedro de Urdimalas
Fotografía: Gabriel Figueroa
Escenografía: William W. Claridge
Música: Gustavo Pittaluga y Rodolfo Halffter (quien sólo facilitó su nombre por cuestiones sindicales)
Idioma: Español
Duración: 88 mins.
Intérpretes: Stella Inda, Miguel Inclán, Alfonso Mejía, Roberto Cobo, Alma Delia Fuentes, Francisco Jambrina, Jesús Navarro, Efraín Arauz, Sergio Villarreal, Jorge Pérez, Javier Amézcua, Mario Ramírez, Enedina Díaz de León, Juan Villegas, Héctor López Portillo, Ángel Merino, Antulio Jiménez Pons, Salvador Quiroz, Ramón Sánchez, Ignacio Solórzano, Charles Rooner, Ernesto Alonso
Lugar y fecha de estreno: México, 1950
Origen de la copia: Filmoteca de la UNAM
SINOPSIS:
En un barrio marginal de la Ciudad de México, se desarrolla la historia de un conglomerado de adolescentes y niños que viven día a día las vicisitudes para satisfacer sus más primarias necesidades. Alrededor de este grupo hay también adultos como don Carmelo, El Ciego, el abuelo de El Cacarizo, la madre de Pedro y el padre de El Julián. El Jaibo, adolescente recién salido del Reformatorio, naturalmente liderea al grupo de niños y les enseña a robar. Pedro, que no es bienvenido en casa por su madre, dice que no sabe cómo portarse bien; don Carmelo, lascivo, quiere toquetear a La Meche y, en este universo compacto y deleznable, los instintos afloran. El Jaibo “se mete” con la madre de Pedro, intenta robar al Ciego y le destruye sus instrumentos musicales, asesina por la espalda a El Julián y hace su cómplice a Pedro. Este último es llevado al Reformatorio por su madre, después de haberla amenazado con una silla. El destino trágico de todos estos personajes se consuma apenas en un día, cuando El Jaibo, después de matar a Pedro y perseguido por la policía, es muerto a balazos. En esta escena, Buñuel nos enseña con maestría visual el último pensamiento de El Jaibo al agonizar: la persecución de un perro negro que lo va a alcanzar para devorarlo.
La secuencia final de la película es una obra maestra de acción cinematográfica que desmiente a los ignorantes que han tachado a Buñuel de falto de técnica: la madre de Pedro, en la noche, lo busca; La Meche y su abuelo que han encontrado el cadáver de Pedro en su corral, sin dar aviso a la policía, lo llevan sobre un burro como un fardo de basura. La Meche y su abuelo se cruzan en el camino con la madre de Pedro, la cual observa el bulto saber que en él va su hijo. El burro es jalado por el abuelo hasta desaparecer de la vista de la madre. El cuerpo exangüe de Pedro es tirado al basurero.
COMENTARIO:
Al conseguir el registro del negativo original de esta película como documento Memoria del Mundo de la UNESCO, la Filmoteca de la UNAM logró obtener una pequeña cantidad de dinero para llevar a cabo la restauración del negativo de esta obra maestra. Esto se hizo por inmersión total, “liquid gate”, un interpositivo por contacto de la imagen y el sonido y a partir de éste, un internegativo, también de 35 mm, que ha permitido hacer copias de la mejor calidad sin tener que usar ya el negativo original, con la esperanza de que el negativo de nitrato de celulosa subsista al menos otros 50 años más.
Agosto 19:LA CAJA DE PANDORA
Dirección: Georg Wilhelm Pabst
Lugar y fecha de rodaje: Berlín, 1928
Producción: Nero Filme AG
Productores: Seymour Nebenzal, Heinz Landsmann, Georg C. Horsetsky
Guión/ Argumento/ Adaptación: Ladislaus Vajda. Adaptación cinematográfica de las obras de teatro Erdegeist y Die Büchse der Pandora de Frank Wedekind.
Fotografía: Günther Krampf
Escenografía: Andrej Andrejew, Gottlieb Hesch, Erno Metzner
Duración: 128 mins. a 20 cps.
Intérpretes: Louise Brooks, Fritz Kortner, Franz Lederer, Carl Goetz, Krafft-Raschig, Alice Roberts, Daisy D’Ora, Gustav Diessl, Michael von Newlinsky
Lugar y fecha de estreno: Berlín, 30 de enero de 1929
Origen de la copia: Filmoteca de la UNAM
SINOPSIS:
Lulú, una fascinante y seductora joven, es la amante del Dr. Schön, Jefe de Redacción de un importante periódico. Dr. Schön es a su vez, novio de la hija del Ministro del Interior. Se acerca la fecha de la boda y, para evitar problemas, el Dr. Schön decide no volver a ver a su amante y le aclara a su hijo que este tipo de mujeres no son para casarse, que hacerlo es un suicidio; pero Lulú hace amistad con el hijo del Doctor, Alwa, compositor, quien estrenará una revista musical y que, por consejo de su padre, decide darle el mejor papel en la obra a Lulú para evitar que ella tenga que volver a trabajar en un acto circense.
Llega el día del estreno. El Doctor acude con su prometida. Lulú se niega a actuar ante esta mujer. Sólo el Doctor Schön la puede convencer de lo contrario. Al estar solos, él vuelve a sentirse atraído por ella. Su novia entra justo cuando se están besando. El resultado es que se cancela la boda y el Doctor decide casarse con Lulú. En plena celebración, el Doctor sorprende a Lulú con el viejo alcahuete que la regenteaba. Furioso, corre a todos los invitados y le quiere entregar una pistola a Lulú para que se mate ella misma y así lo libre a él de convertirse en asesino. Forcejean y el Doctor cae herido mortalmente.
Durante el juicio, ella despliega todos sus recursos seductores. Con la ayuda del hijo de la víctima, escapa justo cuando van a dictar sentencia. Con el apoyo de una condesa, logran pasar la frontera a Francia. Alwa comienza una vida envilecida. Se ha vuelto un tahúr para poder mantener a Lulú y a sus cómplices. Debido a sus muchas deudas, el dueño del tugurio donde trabajan decide vender a Lulú a un egipcio. Desesperados, logran huir en un barco rumbo a Londres. Allí la miseria es mayor. Lulú trabaja en la calle. Un aviso previene de la presencia de un asesino que se dedica a matar mujeres en los oscuros callejones. Ella levanta a un cliente. Él le dice que no tiene dinero y, sin embargo, van a su cuarto. Es Navidad. Todo el mundo celebra, y Lulú se enfrenta sola a su destino.
COMENTARIO:
Se tiene mucho aprecio por el florecimiento cultural alemán durante la República de Weimar, cuando una gran variedad de corrientes y estilos estéticos coexistieron y tuvieron gran impacto social. En el caso del cine, se destaca por lo general el valor del expresionismo y se tiende a pensar que el mejor cine alemán de los años veinte es el que corresponde a este estilo.
Para demostrar lo contrario, queremos exhibir una película dirigida por Georg Wilhelm Pabst a quien se puede considerar el mejor representante de la “Nueva Objetividad”; corriente que buscaba presentar una visión realista que pudiera ser percibida como el reflejo de la problemática social del momento. Otro valor de esta corriente es que sus tramas siempre están destinadas a resaltar el valor de lo cotidiano. Es por ello que todos estos filmes siempre se ubican en el presente, en oposición a la visión marcadamente romántica, propia del expresionismo, que tendía a situar sus historias en un lejano pasado.
La gran importancia de la cinta que seleccionamos radica indudablemente en la forma gozosa en la que se nos presenta a su protagonista, usando para ello la atractiva presencia de la actriz estadounidense Louise Brooks. Este es un melodrama con tintes trágicos en el que se nos muestra a una mujer que mientras más ingenua e inofensiva aparece, resulta por el contrario ser más peligrosa.
Proyectaremos una excelente copia en 35mm, procedente de la Cinemateca de la ciudad de Bolonia, Italia. La Filmoteca de la UNAM recibió esta copia como intercambio por una película italiana que se daba por perdida en ese país y que fue rescatada y preservada por el acervo fílmico de nuestra Universidad.
Septiembre 23: EL COMPADRE MENDOZA
Dirección: Fernando de Fuentes
Lugar y fecha de rodaje: México, 1934
Producción: Interamericana Filmes y Producciones Águila
Productores: Rafael Ángel Frías, José Castellot Jr., Antonio Prida Santacilia,
Guión/ Argumento/ Adaptación: Mauricio Magdaleno
Fotografía: Alex Phillips
Música: B.J. Kroger
Duración: 85 mins.
Idioma: Español
Intérpretes: Alfredo del Diestro, Carmen Guerrero, Antonio R. Frausto, Luis G. Barreiro, Emma Roldán, José Ignacio Rocha, Pepe del Río, Abraham Galán, Ricardo Carti, José Eduardo Pérez, Joaquín Busquets, Alfonso Sánchez Tello, César Rendón, Miguel M. Delgado, Carlos López
Origen de la copia: Filmoteca de la UNAM
SINOPSIS:
Durante la Revolución Mexicana, el agricultor y comerciante Rosalío Mendoza navega entre los bandos en combate: federales y zapatistas. En su hacienda, ambos contendientes son recibidos; beben, comen y disfrutan momentáneamente. Mendoza se siente más próximo al general zapatista Felipe Nieto, quien se enamora de su esposa y al nacimiento de su hijo, lo apadrina y se vuelven compadres. Estos hechos son observados atentamente por la sirvienta sorda de Mendoza que, sin embargo, sabe leer los labios y así se entera de todo.
El tiempo pasa y la situación comienza a hacerse insostenible. Mendoza toma partido, traicionando a su compadre el general zapatista Felipe Nieto, y en una noche borrascosa, las tropas federales matan a Nieto por la espalda entre salvajes gritos, que en realidad nos están mostrando otra faceta de la Revolución Mexicana: toda la historia de traiciones, odio y muerte.
COMENTARIO:
Como parte de la trilogía de Fernando de Fuentes, junto con Vámonos con Pancho Villa y El Prisionero 13, este filme (en posesión de la Filmoteca de la UNAM prácticamente desde su fundación) no podía quedarse sin restauración, en medio de la celebración del Centenario de la Revolución y el 50 Aniversario del nacimiento de la Filmoteca. La película fue restaurada digitalmente, escaneándose a 2K en Montreal, Canadá, regresando los datos resultantes (“film out” o “data to film”) a película fotoquímica de 35 mm y copiándose en el laboratorio de la Filmoteca de la UNAM.
Octubre 21: FRIVOLINAS
Dirección: Arturo Caballero
Lugar y fecha de rodaje: Madrid, España, 1927
Producción: Ediciones Seleccionadas Arturo Carballo (España)
Productores: Arturo Carballo
Guión/ Argumento/ Adaptación: Basado en las revistas musicales de la época: Arco Iris, La Feria de las Hermosas y Las Maravillosas de Eulogio Velasco
Fotografía: Ramón de Baños
Música: Tomás Borras y Eulogio Velasco
Duración: 80 mins.
Idioma: Español
Intérpretes: José López Alonso, María Caballé, Rosita Rodrigo, Eva Stachino, Blanca Pozas, Miguel Ligero, Felisa López, Olvido Rodríguez, Luisa Wieden, Ramón Álvarez Escudero
Origen de la copia: Filmoteca Española, Madrid, España
SINOPSIS:
Frivolinas es un documento extraordinario por ser la única filmación existente de las revistas de la época (Madrid, España). Su interés trasciende al cinematográfico pues nos muestra cómo era la puesta en escena, la coreografía de los números y las actuaciones de las principales vedettes del momento, como María Caballé, Eva Stachino o Blanca Pozas. La trama de esta película es meramente una excusa para mostrar los números más espectaculares de las tres revistas más representativas de Eulogio Velasco: Arco Iris, La Feria de las Hermosas y Las Maravillosas. Las transiciones entre los diversos sketches incluyen actuaciones del más célebre caricato del momento: Ramper, que interpreta también uno de los principales papeles del filme.
COMENTARIO:
La restauración de este filme, dirigida por Luciano Berriatúa para la Filmoteca Española, ha sido muy compleja debido a que no se conservaban más que numerosos fragmentos, que incluían la casi totalidad del filme, dispersos por los archivos de las filmotecas de Madrid, Zaragoza, Barcelona y Valencia; fragmentos que correspondían tanto a negativos como a positivos de al menos tres versiones del filme con montajes distintos.
Aunque se trataba de un filme mudo, resultaba esencial reconstruir la música y canciones originales. Dicho trabajo fue realizado por Berriatúa, a partir de materiales incompletos, preparados y orquestados por Javier Pérez de Azpeitia; materiales que estaban en la SGAE, Sociedad General de Autores y Editores (que colaboró en el proyecto), en la Biblioteca Nacional, así como en diversas bibliotecas, hemerotecas, archivos y colecciones privadas.
Noviembre 18: VÁMONOS CON PANCHO VILLA
Dirección: Fernando de Fuentes
Lugar y fecha de rodaje: México, 1936
Producción: Clasa Filmes, S.A.
Productores: Alberto J. Pani
Guión/ Argumento/ Adaptación: Fernando de Fuentes y Xavier Villaurrutia
Fotografía: Jack Draper
Música: Silvestre Revueltas
Intérpretes: Antonio R. Frausto, Domingo Soler, Manuel Tamés, Ramón Vallarino, Carlos López Chaflán, Raúl de Anda, Rafael F. Muñoz, Alonso Sánchez Tello.
Origen de la copia: Filmoteca de la UNAM
SINOPSIS:
Durante la Revolución Mexicana, un grupo de campesinos, conocidos en su pueblo como los "Leones de San Pablo" se van a “la bola” del lado de Pancho Villa. Para ellos, la Revolución transcurre entre batallas en las que demuestran su valentía. Uno a uno, van muriendo en diferentes sucesos: unos en gloriosos combates y otros en idiotas juegos de valentía a la mexicana, por lo que el grupo queda reducido a sólo dos: Tiburcio Maya y el joven "Becerrillo". Una epidemia de viruela se desata entre la tropa y "Becerrillo" cae enfermo. Villa ordena la quema de todo lo que haya tocado la enfermedad. “Becerrillo” agoniza y Tiburcio, para cumplir las órdenes del “jefe”, lo mata y crema su cadáver. Decepcionado, Tiburcio regresa a su pueblo y hogar, y abandona la Revolución.
Nota: La Filmoteca posee un segundo final de este filme, en el que los hechos continúan y muestran al personaje de Villa como un asesino demencial que mata a la esposa e hija de Tiburcio para que este, ya liberado de ataduras sentimentales y físicas, pueda acompañarlo a continuar la Revolución.
COMENTARIO:
Esta película, probablemente la más importante de ficción de la Revolución Mexicana, se ganó por razón natural (el 50 Aniversario de la Filmoteca y el Centenario de la Revolución), su restauración digital. De una copia salida directamente del negativo de cámara de la película, aunque usada y maltratada, se escaneó a 2K en un laboratorio de Montreal, Canadá. Sus datos, ya corregidos, sirvieron para lo que se llama un “film out” o “data to film” y para así obtener un internegativo fotoquímico de 35 mm, del cual se obtuvo esta copia en el laboratorio de la Filmoteca. Los “datos” guardados en cinta numérica, convenientemente almacenados, garantizan la longevidad de este filme al menos por un siglo, mientras la tecnología cambiante no se nos escurra de las manos.
Diciembre 2: EL ACORAZADO POTEMKIN
Dirección: Sergei M. Einsenstein
Lugar y fecha de rodaje: Odessa, Ucrania, 1925
Producción: Goskino
Guión/ Argumento: Nina Agadzhanova, Nikolai Aseyev, Sergei M. Eisenstein, Sergei Tretyakov
Fotografía: Eduard Tisse, Vladimir Popov
Escenografía: Vasili Rakhals
Música: Eric Allaman (1986), Yati Durant, Vladiir Heifetz, Nikolai Kryukov (1950), Chris Lowe, Edmund Meisel, Neil Tennant
Duración: 75 mins.
Intérpretes: Aleksandr Antonov, Vladimir Barsky, Grigori Aleksandrov, Ivan Bobrov, Mikhail Gomorov, Aleksandr Levshin, N. Poltavtseva, Konstantin Feldman, Prokopenko, A. Glauberman, Beatrice Vitoldi, Sergei M. Einsenstein,
Lugar y fecha de estreno: Francia, 12 de noviembre de 1926
Origen de la copia: Cineteca Nacional de Chile
SINOPSIS:
Película basada en un hecho histórico: la sublevación de la tripulación del acorazado Potemkin (Bronenoset Potemkin), en 1905. Narra las deplorables condiciones sanitarias, tales como la mala alimentación de la tripulación a la cual le dan de comer carne agusanada, que generan que los marineros se subleven y tomen prisioneros a los médicos y comandantes del barco. En un principio, parece que la revuelta triunfa: los marineros son vitoreados por sus compañeros que los observan desde lo alto de los otros barcos de la flota. Un cuerpo de cosacos es enviado para reprimir la sublevación y se produce un choque entre ambos bandos en la llamada escalera de Odesa en, probablemente, una de las escenas más famosas de toda la historia del cinematógrafo: en pleno combate, una carreola con un bebé dentro, rueda escaleras abajo. La mujer que cuida al niño se abalanza a su rescate y es mortalmente herida después de salvarlo. El líder de la sublevación, Vakulinchik, es herido mortalmente. Su cadáver es transportado por el mar a bordo de una lancha, ante la mirada consternada de sus compañeros de armas. Finalmente, la sublevación es vencida y todo vuelve a la paz de los sepulcros.
COMENTARIO:
El acorazado Potemkin nunca fue un filme “perdido” u “olvidado”. En 1958, la Cinemateca Real de Bélgica encuestó a un centenar de autoridades del cine, sobre todo a directores y fue elegida “la mejor película de todos los tiempos”. En ese entonces, existía una versión musicalizada a la que le faltaban, o estaban transpuestas, casi medio centenar de tomas originales, más música diferente y citas de Lenin. El intento hasta ahora más logrado por acercarse al original de estreno de Eisenstein es la Versión de jubileo (1976) de Sergei Jutkevitch, que contó con la asesoría de Naum Kleiman, experto en Eisenstein.
En 1986, la Orquesta Filarmónica Juvenil de Frankfurt nos confrontó con su deseo de contar con una copia adecuada para interpretar la partitura original de Edmund Meisel. Esto nos llevó al primer intento de combinar la partitura, compuesta en Alemania en 1926, con una copia fílmica que se acercara más al concepto original de Eisenstein.
Y ahora al Potemkin. El orden de las secuencias y de los entretítulos de la nueva versión se orientan sobre todo por la versión entregada al British Film Institute por el Museum of Modern Art (MOMA) y puede ser considerada la copia más fiel a la exhibida en el estreno en la URSS. En total, la “versión de Berlín” llega a 1.372 tomas, 15 más que la versión más completa que se poseía anteriormente: la versión musicalizada de 1976. Los 146 créditos y entretítulos son, por primera vez, fieles al original. Los 13 títulos que faltaban a la copia del MOMA fueron reconstruidos cuidadosamente, entre ellos el texto inicial de Trotsky y el título del quinto acto.
Volver a:
Festejos...
Regresar al inicio de esta página.
Concierto fílmico de gala
Los días 2 y 3 de octubre, se proyectará la película La Nueva Babilonia, con la interpretación en vivo de la Orquesta Filarmónica de la Universidad Nacional Autónoma de México.
La nueva Babilonia (Novyy Vavilon)
Dirección: Grigori Kozintsev y Leonid Trauberg.
Lugar y fecha de rodaje: Leningrado, en la fábrica de cine: Sovkino, a partir de septiembre de 1928.
Producción: Sovkino
Guión/ Argumento/ Adaptación: Grigori Kozintsev y Leonid Trauberg, inspirados en las novelas Au bonheur des dames y La débacle de Emile Zola, y en La guerra civil en Francia de Carlos Marx
Fotografía: Andrei Moskvin y E, Mikhailov
Escenografía: Yevgeni Yenej
Música: Dimitri Shostakovich
Duración: 91 mins. a 20 cps.
Intérpretes: Yelena Kuzmina, Pyotr Sobolevsky, David Gutman, Sofiya Magarill, Sergeiei Gerasimov, Yevgeni Chervyakov, Vsevolod Pudovkin
Lugar y fecha de estreno: Moscú, el 18 de marzo de 1929
Origen de la copia: Filmoteca de la UNAM
Sinopsis:
1871. Estalla la guerra con Prusia. Los franceses están seguros de vencer. En los almacenes La Nueva Babilonia los dueños festejan. La guerra puede ser un buen negocio si se convierten en proveedores del Ejército. Louise trabaja en esta tienda y ve con asombro cómo todos celebran que haya una guerra. París es una fiesta, los burgueses comen y bailan, no paran de celebrar vertiginosamente el buen negocio que es estar en guerra. El festejo termina cuando un periodista les da la amarga noticia de que el Ejército francés ha sido derrotado. Se acabó el negocio. París está bajo el asedio del Ejercito alemán. Los burgueses se retiran a Versalles, París queda defendido por la Guardia Nacional y por los trabajadores que, a pesar de la difícil situación, siguen cumpliendo con sus deberes. En Versalles retoman la fiesta. Con la más completa irresponsabilidad, el alto mando decide retirar la Guardia Nacional de París. Los ciudadanos de París deciden armarse y defender la ciudad. Para ello, se organizan en una Comuna.
La Comuna toma decisiones para favorecer a los trabajadores. Esto alarma tanto a los burgueses que prefieren pactar una paz vergonzante con el enemigo para así poder enfrentar a sus propios ciudadanos. La Comuna resiste heroicamente, pero finalmente el Ejército francés se logra imponer a fuerza de bayonetas. La fiesta regresa. Los burgueses están decididos a restablecer su orden a como dé lugar. Los soldados no paran de fusilar comuneros. Louise ha sido detenida. Un oficial le ofrece dejarla libre si declara que ella es una prostituta y que sólo estaba con la comuna por interés. Ella reacciona violentamente golpeando al oficial y le dice que es un honor morir por la Comuna.
COMENTARIO:
Si hubo un lugar en donde se experimentó con el cine durante los años veinte del siglo pasado, ese fue sin dudas la Unión Soviética. A lo largo de esa década, surgieron figuras como Eisenstein, Pudovkin y Vertov, las cuales influyeron ampliamente en el desarrollo del cine mundial.
Kozintzev y Trauberg participaron plenamente de este vertiginoso afán creativo con los trabajos hechos por la “Fábrica de los actores excéntricos”, grupo teatral que devino en productor de películas para materializar sus experimentos formales. Desgraciadamente, esta euforia creativa vio su fin con la implantación forzada del “realismo socialista” a la llegada de la siguiente década.
La Nueva Babilonia es la recreación poética de un hecho histórico de gran relevancia, es la representación metafórica de la Comuna de París; experimento social que fue considerado por los bolcheviques como el antecedente más importante de la Revolución Soviética. Con una riqueza visual impresionante, se nos presentan las grandes contradicciones sociales, la lucha proletaria y la cobardía con que los burgueses enfrentan al enemigo exterior. Por medio de un dinámico montaje, se busca comparar este choque con los dramas particulares que viven los heroicos alzados en armas que han decidido defender Paris aún a costa de sus vidas.
Luego de considerarse como irremediablemente perdida, en 2004, se localizó en Moscú la partitura original escrita por Dimitri Shostakovich para este filme. A partir de este descubrimiento y con la invaluable ayuda de la Dirección General de Actividades Musicales de la UNAM, presentaremos esta película como un concierto fílmico de gala con la interpretación en vivo por parte de la Orquesta Filarmónica de la Universidad Nacional Autónoma de México de esta partitura recuperada.
La copia que proyectaremos es propiedad de la Filmoteca de la UNAM. Es resultado de un trabajo de restauración hecho de forma conjunta por la Cinemateca Suiza y la Cinemateca de Bolonia. Esta última nos ofreció la mencionada copia a cambio de una película italiana preservada por la Filmoteca de la UNAM y de la cual no existía ningún elemento en Italia.
Regresar al inicio de esta página.
La Casa del Cine, montará tres exposiciones itinerantes:
El Cine Mexicano en el Cartel Extranjero, El Cine y la Revolución y La Revolución sobre Rieles.
EL CINE MEXICANO EN EL CARTEL EXTRANJERO
La Filmoteca de la UNAM, a través de sus 50 años de existencia, es mucho más que un archivo de imágenes en movimiento. Entre su extenso acervo, conserva material gráfico original, que ha rescatado y preservado del deterioro del tiempo en su Centro de Documentación. Esta colección es única en el país y la Universidad se siente orgullosa de poder presentar al público dicho material que, además de atractivo, es, sin lugar a dudas, testimonio del desarrollo de la gráfica moderna del arte cinematográfico y que reúne a algunos de los mejores exponentes de la misma.
Se trata de una exposición itinerante para montar en exteriores, organizada en colaboración con la Dirección General de Atención a la Comunidad Universitaria, que consta de 24 carteles los cuales, más allá de su calidad artística, ilustran el valor que el mundo ha dado a la cinematografía mexicana.
Esta exposición comenzará el próximo 6 de abril, en la Academia de San Carlos (Academia 22, Centro Histórico), y viajará por diferentes planteles universitarios y de bachillerato, hasta fines de este año.
EL CINE Y LA REVOLUCIÓN
Exposición itinerante, en colaboración con el Sistema Colectivo METRO, que consta de 20 carteles (cuyos originales se encuentran en el Centro de Documentación de la Filmoteca de la UNAM) y 8 banners de fotogramas de obras cinematográficas relacionadas con la Revolución y dirigidas por algunos de nuestros más destacados creadores, tales como: Fernando de Fuentes, Miguel Contreras Torres, Emilio Fernández, Ismael Rodríguez y Roberto Gavaldón, entre otros.
Esta colección se ha convertido en un verdadero documento histórico que contiene secuencias filmadas en espacios donde se llevaron a cabo las batallas, con el afán de dejar fiel testimonio de los sucesos ocurridos.
Exposición que se inició el 2 de marzo en la Estación Zócalo, donde se realizará una ceremonia de inauguración el 12 de marzo a las 12.00 hrs. Posteriormente, viajará a galerías de la Escuela Nacional Preparatoria, para más tarde regresar a diversas estaciones de Metro: en agosto, a la estación Copilco y en noviembre, a la estación Aragón.
LA REVOLUCIÓN SOBRE RIELES
Esta exposición estará abierta al público de agosto a noviembre del presente año en el Museo de los Ferrocarrileros, que se encuentra en la antigua estación de ferrocarril de la Villa. Consta de material resguardado en la Filmoteca de la UNAM: stills y fotogramas de las películas más importantes de nuestro cine, en los que el ferrocarril es un protagonista innegable. Además, se expondrán algunos objetos de la época, propiedad del propio Museo, tales como linternas, escalerillas, asientos y otros.
Regresar al inicio de esta página.
Ciclo dedicado a Ernie Gehr y su cine de vanguardia
En agosto, contaremos con la presencia de Ernie Gehr, durante un ciclo dedicado a esta figura.
Ernie Gehr dijo: “El film es una intensidad variable de luz, un balance interno de tiempo, un movimiento en un espacio dado."
Cuestionando el entorno del film, examinando y hallando respuestas sobre los mecanismos tecnológicos y fotoquímicos de la cámara, el celuloide, la luz y la percepción ocular, Ernie Gehr ha conseguido dar, en sus películas, una entidad gráfica para representar “la realidad del film y no la imitación del mismo”.
Realizador de películas como Morning (1968), Wait (1968), Reverberation (1969) y Transparency (1969), los cuales realizó con su cámara Bolex; Ernie Gehr es un cineasta experimental norteamericano vinculado al cine estructural de la década de 1970. Es precisamente con Serene Velocity (1970), cuando el reconocimiento de sus creaciones llega a los círculos de cine de vanguardia. Su filmografía más reciente: Precarious Garden (2004), The Morse Code Operator/The Monkey Wrench (2006), Before the Olympics (2006), Whispers (2008) y New York Lantern (2008).
Regresar al inicio de esta página. |
